Искусством по мозгам.

Искусством по мозгам.

 

портрет Челлини об этом портрете захватывающая история автора постов об искусстве здесь

 ***

Произведения изобразительного искусства во многом, если не во всем, определяют эстетику среды существования человека. Они влияют на дизайн, моду, архитектуру и настроение всего рукотворного, с чем взаимодействует человек через свои органы чувств.

Чтобы осознать  силу  этого влияния, просто представьие себе, что вы находитесь 24 часа в сутки в помещении, в котором звучит громкая музыка. Вы не можете ее выключить. Единственное Ваше спасение в том, чтобы это была красивая музыка, подходящая Вашему настроению, самочувствию и занятиям. Но если вы слышите рев дисковой пилы, или вынуждены слушать Шнитке, группу Руки Вверх, похоронный духовой оркестр а так же репера Дон-ГонДон, (дарю название желающим) то Вы быстренько чокнетесь.

Вот именно так обстоят дела с визуальным контентом.


Большие Пацаны прекрасно отдают себе отчет в том, что лохов можно свести с ума, превратить в скот, довести до самоубийства и покорить путем простой дезориентации, когнитивного шока и помещения их в некомфортную, извращенную среду.

Именно этой цели служит сегодня политика в области изобразительного искусства.   Сегодня в тройку самых «влиятельных» художников мира по версии ARTSY Magasine входят: Вандал(здесь, здесь), ради собственного ПиАра разрушавший объекты культурного наследия,

 

экзибиционист — диссидент китаец Ай ВэйВэй (со своими работами),

король китча и отстоя Джефф Кунс, (совершенно бездарный тип),

со своими произведениями


и психопатка-японка Яуои Кусама, покрывающая все поверхности пенисами и красными точками.  


Далее в списке — великая художница Йоко Оно,


 

доктор — формалинщик Дэмьен Хёрст, выставляющий заспиртованные трупы,


и прочая шпана.

При этом в настоящее время есть тысячи людей, настоящих творцов, задевающих добрые струны человеческих душ, творчество которых вполне сравнимо с лучшими мастерами прошлого. Тот же Бэнкси, например.

 Я вовсе не собираюсь огульно отправить в помойку весь «актуальный арт». Это совсем не так. Просто хочу сказать, что Большим Пацанам пора угомониться со своим говнометом, и дать Планете немножко подышать, наконец.

Для того, чтобы разобраться с этим феноменом, нам потребуется хотябы в общих чертах ознакомиться с историей вопроса, основными понятиями и определениями.

Готовы?

avvakoum.livejournal.com/?skip=10

 

***

Существует множество попыток определить понятие «искусства», и, более конкретно, определить понятие «изобразительного искусства», а также, «произведения искусства». Из всего многообразия определений можете себе выбрать любое себе по вкусу. Вот, например, из Википедии:

«И.И. это -раздел пластических искусств, вид художественного творчества, целью которого является воспроизведение окружающего мира. Понятие объединяет различные виды живописи, графики и скульптуры.»

Это определение неполное и немного тенденциозное:


      Во первых, в определении не сказано, что к искусству относятся исключительно рукотворные (ну, можно не только руками, это допускается) объекты материальной культуры. Скажем, природные явления, следы животных, или складки минеральных пород к «искусству» отношения не имеют.

      Во вторых, «воспроизведением окружающего мира» работы Ротко, Малевича или Зао Ву-Ки назвать сложно, при этом их вполне заслуженно относят к «произведениям искусства». Иначе говоря, цель у изобразительного искусства иная, оно не обязательно должно стремиться к «воспроизведению окружающего мира».

      В третьих, в определении не выявлены отличия произведения искусства от ремесла.

Я, лично, придерживаюсь по этой теме определяющих формулировок историков искусства Янсонов, кому интересно, это вот здесь:
http://krotov.info/libr_min/28_ya/an/son_1.htm


Но и эти определения Янсонов — отнюдь не идеальные. Я попробую дать свое определение, но сделаю это не в начале, а в конце своих трудов. Пока предлагаю читателям осмыслять один за другим аспекты проблемы, не смешивая эти аспекты  в единую кучу.

  Итак, мы с вами выяснили, что произведение искусства это всегда «рукотворный» материальный объект (слово «рукотворный» взято в кавычки, потому что лепить человеки умеют и ногами и языком, и грудями и членом. Это все равно в данном случае).

 Этот материальный объект создается с целью воздействия на ментальный аппарат человека через его органы чувств.

Вдумайтесь: ни собака, ни рептилоид, ни насекомые, ни гуманоиды с планеты Сириус, ни полу-люди андроиды,  не воспримут произведение искусства, потому что оно им не предназначено.  Произведение искусства создается человеком для человека, и никак иначе. Изобразительное Искусство это наш, человеческий ништяк, местный, с этой планеты, и этот ништяк есть маркер нашей человечности.

Отсюда вывод: изобразительное искусство в целом и его отдельные произведения в частности существуют исключительно в том случае, если присутствуют двое: Творец и Зритель.  Если нет человека-творца, или отсутствует Зритель, произведение искусства не состоится, и существовать неспособно.

Далее: Уже потому, что Зритель в этом Тандеме играет определяющую роль, каким бы тупым или глупым он не был, Зритель равен по своему значению самому Творцу.  Понятна ли мысль? Никчемный прыщавый задрот, взирающий на Джоконду не менее важен, чем гениальный и великий Леонардо, ее создавший. И это просто потому, что все это — ИСКУССТВО происходит у задрота в голове, и вне этой головы бессмысленно.

Да, у Задрота много конкурентов — зрителей миллионы, и потому его личный вес нивелируется. Но если бы он был один, то сравнялся бы с Творцом, поскольку без зрителя творение бесполезно.

Уф.

Короче, изобразительное искусство предназначено для воздействия на метальный аппарат зрителя, и должно им восприниматься.

Это первый постулат, который необходимо осознать, чтобы двинуться дальше.

avvakoum.livejournal.com/1888632.html


***

Итак, мы с вами выяснили, что изобразительное искусство это самая человечинка, самая мякотка, которая существует у человеков, для человеков и человеками порождена.  Теперь необходимо определиться, чем произведение искусства отличается от ремесленной поделки, и чем оригинал отличается от копии.

По первому вопросу: «Искусство или ремесло?» Каждый волен себе придумать критерий, ради Бога. Я придерживаюсь Янсонов (ссылку давал в прошлом псто) которые говорят, что произведение искусства отличает от поделки наличие «скачка сознания», ну я бы употребил русское слово «вдохновение». Что такое «скачок» или «вдохновение»? Это нечто бОльшее, чем сам творец произведения может спланировать и спланировал. Это какая-то Божья искра, которая освещает (освящает) произведение по новому, неожиданно и на свой лад. Художник может как одержимый буквально следовать порыву вдохновения, которое длится и длится, или наоборот, это может быть короткий миг… Но результат всегда один — сам художник видит, что в его работе есть нечто большее, чем он способен измыслить и спланировать.
Леонардо, кстати, человек тщательно препарировавший любое явление, понимал, что Джоконду ему не повторить никогда, и что это Вершина. Он не продавал ее и не расставался с ней.

По втророму вопросу: «Оригинал или копия»?  В настоящее время техники сканирования, печати и моделирования красочных слоев позволяют создать визуально абсолютно точную копию любого произведения искусства. Будет ли эта копия иметь ту же цену что и оригинал?
Нет. Не будет. Она стОит как ремесло и копия, хотя неотличима. В чем тут дело?
Я уже говорил: вся эта алхимия (создание и существование произведения искусства) происходит в голове у Зрителя. У Зрителя сложный, противоречивый и многоплановый ментальный аппарат; Так вот, если человек знает, что перед ним копия, то этот объект действует на человеческий мозг иначе, чем оригинал. Вот и всё. И ничего с этим не поделать.  А поскольку, как мы уже выяснили, искусство это занятие для человеков, то вот эта наша особенность будет вечной, пока мы остаемся людьми.

Есть и более интересные случаи: например, известно, что Малевич сбацал 8 квадратов, а Леонардо сделал пару копий «Мадонны в Гроте». И что? Как с ними?
В этом случае мозг зрителя воспринимает «авторские копии» как оригиналы, вот и всё.

Вся фишка в том, (еще раз повторюсь) что Искусство существует в головешке зрителя, и потому его восприятие это ментальный феномен, а не материальный.

avvakoum.livejournal.com/1888814.html


***
Так вот, поскольку изобразительное искусство это выражение, маркер и, в какой-то степени, индикатор развития человеческой цивилизации, оно возникло вместе с человеком, и вместе с ним развивалось. Никакой привязки к теории эволюции Дарвина или диалектическому материализму в моих словах нет. Неважно, как возникла наша цивилизация (цивилизации) когда и где. Хоть с Сириуса прилетели, хоть в пробирках клонировались, хоть из обезьян вылупились — это не важно. Как возникли, так и начали рисовать, лепить, украшать.

Мы уже говорили вскользь о том, что вокруг искусства всегда расходится кругами ремесло. Скажем, удачно слепил ваятель барана. Этот баран всем нравится, и потому его начинают чеканить и отливать в золоте, рисовать в орнаментах… Фишка здесь в том, что безымянный оригинал будет утерян, а через 5000 лет археологи найдут золотых барашков — труд ремесленников, и выставят его в музей.  Произведение ли искусства это? Строго говоря нет, но мы с Вами не будем ханжами, и для простоты изложения и вообще восприятия этого моего текста, примем и этого древнего барана как «произведение искусства». То есть, мы не станем ковыряться в терминах, и когда я буду говорить об истории искусства, то вот таких барашков мы будем называть произведениями искусства, шедеврами и пр. Еще один яркий пример: вот египетская плита, на ней иероглифы и картинки. Все картинки по канону, ничего нового в них нет, но они так между собой сочетаются, так их размеры подогнаны, что интересно все это разбирать. Кто тут главный, кто кого чморит и зачем. Красота! Искусство? Ну опять же: и да и нет, но мы примем что «да». Из уважения к древности, и все такоэ.

Это была оговорка. Теперь к делу:

Произведения Изобразительного Искусства, сопровождая Человечество в его то ли развитии, то ли в поступательно-возвратном прогрессе/регрессе выполняли множество функций. Это вроде письменной речи: письмом мы можем обозначить «НЕ ВЛЕЗАЙ УБЪЕТ», написать стихи, донос, бухгалтерский отчет, молитву и пр. Точно так же многопланово  использовались и произведения изобразительного искусства. Они выполняли мемориальную, сакральную, вотивную, информативную, пропагандистскую, религиозную и пр. пр. функции.

Для выполнения многих из этих функций достаточно было овладеть языком устоявшихся форм: например, Египтяне: разворот плеч, две левые или две правые ступни, головы в профиль.  Чтобы выполнить многие функции этого хватит с лихвой. И такие устоявшиеся, однажды найденные формы «застывали» на тысячелетия.

Но, тем не менее, человек, художник стремился улучшить свое мастерство, и по капельке, по крошечке, а иногда и скачком, он овладевал приемами, которые приближали его… Куда? Приближали его к ПРИРОДЕ. На протяжении веков и тысячелетий у художников и скульпторов был в целом ясный критерий: чем ближе, чем более походит произведение искусства (персонаж) на созданный ПРИРОДОЙ (Богом) тем лучше.  (Историю развития мастерства ИИ можно почитать в любом учебнике по Истории Изобразительного Искусства).

Художники упрямо стремились к «сходству». Сходству своих произведений с моделями.  Правда, на протяжении истории человечества постоянно возникал вопрос «внешнего облика» человека и его «внутреннего» мира, или вернее, вопрос натуралистичности телесной и духовности персонажа.

Эти вопросы иногда входили в противоречия. Гляньте на иконы: это Византийская традиция, где лица Святых изображены условно, но с высокой степенью духовной экспрессии.

Случались вот такие девиации, но все-таки после паузы Человечество вновь выруливало на магистральную дорогу: чем ближе рукотворное изображение  к природе, тем лучше.

Вершины было две: первая во времена Праксителя и Апеллеса,


потом яма, потом Возрождение, и наконец, первая половина 16 Века, и три имени как абсолютная верхняя точка многовекового курса на «реалистичность»:  

Леонардо, Микелянжело, Рафаель.


avvakoum.livejournal.com/1889030.html


***
Итак, в результате накопленного эмпирического опыта, теоретических осмыслений и появления новых материалов, в 16 веке изобразительное искусство достигло своей вершины, если для его оценки применять критерии «учиться у природы».

Произведения этого периода мы узнаем по трем совершенным аспектам:

1. Рисунок,
2. Светотень
3. Интеллект

Леонардо Да Винчи поставил перед собой и решил сложнейшую задачу: с помощью внешности передать состояние «движение души» своего персонажа. Да Винчи категорически настаивал на том, что человек должен изображаться в движении. То есть, если говорить конкретно, его тело и лицо должны быть воспроизведены безупречно точно в смысле пропорций, но при этом в сложнейших ракурсах. Иначе говоря, если вы видите естественную фигуру человека, изображенную в комплексном движении, то это заслуга хорошего, или выдающегося рисунка.
Мастера 16 века оказались непревзойденными в нем.

Светотень — это искусство смоделировать иллюзию рельефа с помощью светлых и темных участков тел. Цвет — штука очень сложная, и потому владение этой техникой требовало солидной теоретической подготовки и высокого мастерства.

Интеллект: Ни один выдающийся (или уважающий себя мастер) не брался за кисти, если в его произведении отсутствовала интеллектуальная глубина.

Вот, как я уже сказал, мы достигли предела.

Вслед за Возрождением наступил Маньеризм. То есть, такой период, когда художники владели всем набором инструментов, добытых для них прошлыми поколениями, но злоупотребляли ими: если контрапост то слишком. Если шея — то слишком изящная, конечности длинные, рисунок слишком экспрессивный, тени и свет — Караваджо,

а интеллектуальный смысл стал настолько насыщенным всякими эклектичными аллегориями, что трудно было все это прочитать и понять.  Словом, злоупотребляли пацаны, чего уж там.

На смену Маньеризму пришло Барокко, где ко всему еще прибавились вольности с цветом, манерность развилась, и потому в целом это все стало балансировать на грани китча, хотя, конечно, и в эту эпоху были великие произведения.

Однако, шкала хорошо/плохо оставалась прежней — произведения сравнивались с природой.

Возникли всевозможные правила, например, живопись разделилась (искусственно) на Высокий Жанр и Низкие Жанры...

Ну, короче, в 19 веке решать «хорошая картина» или «нехорошая» стали Художественные Академии, которые применяли к произведениям более или менее субъективно выбранные критерии из талмуда устоявшихся правил.

И так продолжалось до тех пор, пока «академики» не были посланы нахер хулиганами от искусства, сегодня известными под названием «импрессионисты».  Именно они сорвали резьбу, и котел разнесло в клочья. С этого момента, с конца 19 века, стало «можно» всё. Критерии «природа» «натура» «интеллект» рисунок, цвет, композиция — все это превратилось в факультатив. Хочу — применю, хочу — нет.

avvakoum.livejournal.com/1889490.html


***

Итак, с появлением импрессионистов была разрушена монополия «академиков» на суждение хорошо/плохо.  Вот, говорят, мол, имперссионизм это логичный, следующий этап поступательного развития изобразительного искусства. Ну может быть, однако, я считаю что это ход конем. Посмотрите повнимательней на этих хулиганов: сам термин «импрессионист» был впервые произнесен с издевкой. На французском языке он означает «желающий произвести впечатление». То есть, по нашему было бы нечто вроде «позер», «пижон»… Этот вызов художники подхватили, и сказали: «да, а что?». Но интересно, что произошло это лишь в 1872 (74) году, и касалось картины Клода Моне «Впечатление. Восход Солнца».

 

Но еще за 10 лет ДО ЭТОГО в 1863 году появилась картина Мане «Завтрак на траве». И вот именно на нее следует посмотреть повнимательнее, чтобы понять явление: Мане буквально нарывается на скандал. Он ищет его. Перец изобразил, по сути, групповуху на природе, показав бесстыжую голую девицу на первом плане, в компании двух мужчин, и еще одну в удалении, но тоже непрочь. Скандал в том, что все здесь узнаваемы, и не стесняются наглозырить на зрителя.
Более того, Мане нарушил законы перспективы и построения композиции. Он похерил и правило замазывать мазки. Словом, в 1863 году Мане буквально плюнул в рожи «академикам».  Какртинку запретили выставлять.

Соответственно выходка Мане была поддержана Курбэ, и это в 1866 году, за 7 лет до появления вполне приличной картинки Клода Моне.

Курбэ трахнул жену своего ученика Уистлера, и тут же ее намазал на холст:



Так что давайте назовем вещи своими именами: пацаны пустились в эпатаж. И, поскольку, академизм уже привел изобразительное искусство в дряхлое, неживое состояние, это хулиганство обрушило стену.

Короче, с этого момента стало можно всё.

avvakoum.livejournal.com/1889705.html


***
Вопрос: создали ли импрессионисты нечто принципиально новое? Ответ: тактически да, стратегически нет. Ведь мы с вами уже знаем, что вся «алхимия» искусства происходит в голове у человека-Зрителя,  так было с самого начала, и так оно и продолжается. Более того, по части выноса мозга зрителю Леонардо и Микелянжело дают 100 очков вперед Мане и Курбе, потому что такую ересь, какую спрятали в своих творениях эти дедки,  люди 19 века в свои работы не смогли бы зашить. Леонардо подменил Иисуса Орфеем, а Орфея Салаи,

(о Салаи здесь) мы до сих пор смотрим на Джоконду, то есть, на портрет любовника Да Винчи Джакомо Салаи (MONA LISA = MON SALAI) и всё гадаем, кто же модель? А Микелянжело поставил рогатого Моисея в Ватикане, а необрезанного Давида  перед главным гнездом Медичи.  (Обратите внимание, что из-за размеров статуи и ее особенностей взгляд зрителя неизбежно м всегда упирается в пенис героя.

А Боттичелли? Такой крутозаверченной ереси, с сатанизмом, кровищей и запашком как на «Рождении Венеры» ни один «импрессионист» и представить себе не мог бы, а не то что ее аллегорически упаковать...

 

Словом, дедки в свое время и на века отжигали покруче импрессионистов по части выноса мозга.

Но в чем тогда между ними разница? А разница в том, что «импрессионисты» стали выносить не только мозги прошаренных интеллектуалов и «посвященных», но и простолюдинов.

Френчи «произвели впечатление» незатейливым, в общем-то способом, но эффективно и на всех. Они создали такое изобразительное искусство, которое торкало тыщи и миллионы лавочников, буржуа, чиновья, теток, дядек...

Письки, сиськи, котики — письки сиськи котики, какашки.  Ну, само собой и столкновения цвета (цветов), и ломаные композиции, и неожиданные сюжеты, и абстрактные пятна, и нарушенные формы…

Я вовсе не осуждаю, не о том речь.  Хочу сказать, что трах мозга зрителя стал целенаправленным, прямым, бесстыжим и на полную катушку.

 avvakoum.livejournal.com/1889936.html


***
Импрессионизм «широкого профиля», так сказать, снял все табу, посшибал все ориентиры, и в результате среди какофонии и многообразия всевозможных стилей появилось так называемое «абстрактное» или «нон-фигуративное» «искусство».

То есть, Творец берет за ноги тетку, и елозит её измазанными членами по холсту. Или, есть тут один Европейский Прогрессист: он накачивает собственный анус окрашенными жидкостями, а потом выпердывает красоту на белое. Ну или просто можно макнуть кисть и потом побрызгать на полотно. Получается красиво, ничего не скажу… Или можно квадраты начертить.

Да, мы можем над этим потешаться, если захотим. Но мы останемся в дураках, потому что Ротко — это сотни миллионов евро за холст,

 

а Зао Ву-Ки это десятки миллионов.


 

Тут на самом деле возникает интереснейший феномен.

Как мы все наверное знаем, искусство это иллюзия. Тем более изобразительное искусство: художник ведь создает своим трудом ничто иное как иллюзию, «обман» — пространство на плоскости, иллюзию живой природы в неживом, неодушевленном материальном объекте. То есть, можно было бы сказать, как в том самом определении из Википедии, с которого мы начинали, что «произведение искусства это попытка воспроизведения природы художественными средствами». Но увы, это не так!

Самый прикол феномена «абстрактного» «искусства» состоит в том, что оно не стремится к иллюзии. Его произведения не является иллюзией, ЭТО ГОЛАЯ ПРАВДА. Смеялся.  И только в этом, абстрактном искусстве и есть правда.

(Конечно, с одной оговоркой: если зритель оставит попытку увидеть в разводах и трещинках абстрактных пятен какие-то фигурки ему напоминающие собачек, облака или прочий треш с кофейной гущи).

В общем, каждый должен определиться сам с важным, для его ориентации и понимания жизни вопросом:

— Признаешь ли, Веруешь ли человече в то, что изобразительное искусство — это ОБЯЗАТЕЛЬНО иллюзия?

Если да, то Ротко и Зао Ву-Ки для тебя нет, о Зритель. Ибо они иллюзию не создают.

Если же нет, если же веруешь в Правду, значит, ты приемлешь каляки маляки, но тогда ты можешь признать «искусством» и случайный отпечаток какого-нибудь природного явления, и тем ты выйдешь из правла — «искусство это от человеков и для человеков».

Аминь.

avvakoum.livejournal.com/1890470.html


Продолжение следует


 

Обсудить у себя 0
Комментарии (0)
Чтобы комментировать надо зарегистрироваться или если вы уже регистрировались войти в свой аккаунт.

Войти через социальные сети: